早期基督教的美术
一， 罗马帝国晚期美术与基督教的秘密传播：公元1世纪中叶正值罗马帝国的鼎盛时期，在西
亚巴勒斯坦一带诞生了一种新的宗教——基督教，它是从犹太教的一个教派演化而来的。犹太人早在BC63年就被罗马帝国征服，故这一新的宗教便在罗马帝国内逐渐传播开来。
1卡塔孔巴（Catacomb and Funerary Art）基督教悄悄传入罗马。基督徒们相信死者可以复活，因而他们同罗马人一样也在城郊挖掘地下墓窟，并将起作为秘密活动的场所。
二， 早期基督教壁画与雕塑
1圣*彼得和马克西米连卡塔巴壁画（Ptainted ceiling of a cubiculum in the Catacomb of St Peter and Marcellinus，Rome）在墓窟的天顶和墙壁上绘制各种圣经题材的壁画，这是最早的基督教绘画。由于当时基督教受摩西戒律中不准表现“天堂和尘世一切偶像”的约束，所以直接再现基督的形象遭到禁止。绘画中通常描绘的是善良的牧羊人、鱼、十字架、庆宴等有关教义的寓意画。公元4世纪初的圣彼得和马塞里诺斯墓窟则描绘有善良的牧羊人。在早期基督教美术中，形象经常知识具有象征意味的符号，希腊罗马引以为荣的人体艺术在基督教中是不允许存在的。
2巴苏斯市棺（Sarcophagus of Junius Bassus）受摩西戒律约束最甚的要数雕刻了，那时要在教堂里找到一尊基督的雕像几乎是不可能的。基督教雕刻主要表现在一些石棺上。巴苏斯石棺是意见重要的作品。石棺表面浮雕分为上下两层，偶柱子分割出十个开间，每个开间讲述一则圣经故事。为了在有限的空间里表现尽可能多的内容，致使人物比例有些失调。不过古典趣味却丝毫不减。基督教虽然排斥异己，但早期基督教艺术中异教的影响却未被完全杜绝。
三， 建筑：基督教取得合法地位以后，逐渐成为罗马占统治地位的宗教，教徒开始大兴土木，
建立教堂。最早的教堂形制源于罗马的长方形会堂，称“巴雪利卡”式，圆顶最初用木头做成，两排柱子把教堂分为三部分，即中厅和两旁的柱廊，最前面是祭坛。教堂较低矮、简朴、光线也比较暗，但内部比较宽，能容纳较多的教徒。这种长方形教堂的建筑形制以后成为西欧教堂建筑的基本模式。现在保留早期巴雪利卡式教堂原貌的建筑所剩无几，著名的老圣彼得教堂建于4世纪毁于15实际，目前只能从有关它的绘画中略观大概。唯有罗马的圣萨比纳教堂，拉文那的圣阿波利乃尔教堂（Sant Apollinare Nuovo，Ravenna）还能提供一些原来的面貌。
康斯坦莎教堂和马赛克（Santa Costanza）另一种基督教建筑样式类似罗马万神殿的圆形建筑。它源于罗马圆形澡堂。这种圆形建筑还被用作葬里毛教堂，如康斯坦莎教堂，这里有君士坦丁大帝女儿的陵墓，内部相当宽敞，四周柱廊环绕。所有的这些早期基督教堂中都有壁画和镶嵌画作为装饰，5世纪以后镶嵌画逐步成为教堂主要的装饰形式。康汜坦莎教堂拱顶就采用了华丽的玻璃马赛克作装饰画，获得极佳的效果。
拉文纳的卡拉*普拉西亚陵墓圆形教堂和“善良的牧羊人”（Mausoleumof Galla Placidia）这个时期的拉文那是镶嵌画的中心。卡拉*普…陵墓教堂内的镶嵌画是5世纪最精彩的作品。整座教堂所有的镶嵌画均以蓝色调为基调，给人以超脱尘俗的感觉。《善良的牧洋人》是罗马艺术想几度叫艺术过度的典型代表作。景致的波浪纹围成半圆形外框，框内年轻的牧洋人坐在六头羊中间。人物和羊群略带透视，使画面产生空间的深渊感。画中基督教题材和希腊罗马的自然主义写实风格得以完美结合。
拜占廷的美术
一， 拜占廷，东罗马的基督教帝国
君士坦丁大帝迁都拜占廷后，罗马帝国即埋下了分裂的种子，只到狄奥多西皇帝把帝国分给他的两个儿子各掌东西部分时，帝国正式分裂。东罗马帝国又称拜占廷帝国，因未受到蛮族的侵扰，且领土大部分为古希腊文化发达的地区，古代艺术的传统影响相当广泛。东罗马帝国信仰基督教中的东正教，同罗马教会不同的是，东正教将皇权和宗教偶像集于皇帝一身。拜占廷艺术在王权的支持下带有较多的世俗特点，显得比宏伟富丽。同时，由于东正教思想的控制，并部分继承了古代传统，拜占厅廷艺术形成了一套严格的程式化的艺术形式，艺术形象显得刻板，威严而富有永恒的精神力量。
二， 早期拜占廷的美术
1拜占廷艺术的第一个黄金时期是公元6世纪查士丁尼大帝执政时期。这位皇帝曾一度恢复了包括意大利和北非在内的罗马帝国的领土，为炫耀功绩，他在君士坦丁堡和意大利拉文纳城大兴土木，倡导艺术。这一时期的重要建筑有圣索菲亚大教堂和圣维塔里教堂。
圣索菲亚大教堂：公元6世纪上半叶这一教堂建立于君士坦丁堡，它是当时的建筑杰作，也是世界上最伟大的建筑之一。圣…的大体形态是椭圆形，为了扩大内部的空间，它在原有的圆形建筑两边加上两个半圆，正中覆盖着一个高55米，直径33米的大穹顶，与其他半穹顶及小穹顶联为一体，大穹顶建在三角帆拱上，这样便减轻了墙面的压力。内部形成一个高大宽阔，其实磅礴的新型的空间结构。四周带拱顶的窗户透射进道道阳光，照耀在包金的柱头和以蓝色与金色作底的彩色玻璃镶嵌画上，使教堂内部显得格外辉煌和华丽。墙壁采用珍贵的彩色石料敷贴，用取自小亚细亚、埃及等地的深绿、深红色石料制作廊柱，使教堂带有浓厚的东方色彩，从而成为当时东正教最没的建筑。
拉文纳的圣维塔里教堂：是一座八角型教堂，外形简朴，内部装饰精致。尤其是教堂内的镶嵌壁画“查士丁尼和随从（Justinian and Attendants）”和“皇后蒂奥多拉和随从”，是拜占廷的艺术名作。两幅镶嵌壁画分别描绘了皇帝和皇后手捧供品同随从一道参拜耶稣嫉妒的场面。通过这些画中的人物，我们可以清楚地看到拜占廷艺术同希腊、罗马艺术的区别。希腊、罗马艺术着力模仿真实的人物形象，注重人体的比例和外形的优美起伏。。镶嵌画表现的却是平面化、程式化的人物形象。其背景是金色的，画中的任务全部都是正面朝向观众，头很小，表情庄重，都有一双杏仁眼，一个细长的鼻子和一张小嘴，身着华丽的长袍，长袍上只有刻板的线条，毫无自然的起伏和变化。他们与其说像血有肉的真实人，倒不如说像一个个显示人类精神的抽象符号。
中世纪早期的蛮族美术
民族迁徙及中世纪早期蛮族国家：蛮族艺术，指西欧在西罗马帝国灭亡之后，北方蛮族入侵，经过几个世纪的动荡，最后确立封建制度之前这一段时间的艺术。从罗马时代末期，大约公元4世纪起，中亚的匈奴人不断西侵，引起了西欧各民族大前夕的连锁反应。匈奴人迫使里海沿岸的哥特人西迁，原居住在欧洲北部的日耳曼部落也大规模迁徙到西罗马帝国境内。这些蛮族定居在罗马帝国境内后，经过连年的战乱，终于在公元476年灭亡了西罗马帝国，并在帝国的废墟上先后建立起一系列的王国，如在高卢西南部和西班牙北部的西哥特王国，北非的汪达尔王国，高卢东南部的勃艮第王国和意大利的东哥特王国，以及诸王国中最强盛的法兰克王国等等。西徐亚人的艺术（Scythian Art）主要为动物风格.影响日耳曼人的艺术.风格写实，自然主义，装饰性突出。
动物风格“我们把5—8世纪日耳曼民族的艺术称为动物风格，它可以说是日耳曼民族从北方带来的古老艺术传统与基督教文明相结合的产物，这种艺术风格以古怪而复杂的运动形象为主体，主要应用在日常手工艺品和生活用品上。在蛮族的遗物中我们尚未发现纯艺术品。
西徐亚人的项圈（Pectoral with secenes from Scythian life），用雕刻镶嵌技术制作的动物风格的黄金项圈
一， 日耳曼诸民族的艺术（The Germanic Peoples）法兰克人的装饰（Frankish ornaments）
二， 爱尔兰—撒克森的艺术（Hibermo—Saxon Art）林德斯凡内之书（The Book of
Lindisfarne）：在爱尔兰，动物风格主要表现在修道院林德斯凡内之书抄写的圣经和福音书的装饰插图上，显然这些插图作品完全属于这个民族本身的传统，丝毫看不到罗马古典艺术的影响。林德斯凡内之书是爱尔兰艺术最著名的作品。林德斯凡内福音书插图上绘有非常富有装饰性的细纹图案，密集的图案底上显露出一个爱尔兰人的大十字架。当你仔细观赏这些精美的图案时，才发现她们全是一些相互绞绕，回环反复的鹰首蛇身的动物。它们令人眼花缭乱的穿插衔接被描绘的如此细腻，不能不令人喝彩叫绝。这类插图被认为是黑暗时代修道院艺术的奇葩。
三， 维金艺术（Viking Art）：强盗。艺术特点为抽象网络的线形几何图案与动物风格的结合，
人物作平面化处理，多为木雕。
四， 加洛林王朝的文艺复兴（Carolemagne Art）：西罗马帝国灭亡后的几个世纪中，日耳曼
民族在西欧先后建立起几个蛮族的封建王国，其中最大的是法兰克王国。经过几百年的动荡和发展，至公元8世纪法兰克王国逐步强大起来。768年查理大帝接位后，经过数十年的征战，把西欧大部分地区统一起来。公元800年查理被罗马教皇册封为罗马人的皇帝。查理大帝梦想恢复昔日罗马的繁荣，故大力倡导古代罗马的文化艺术，招聘当时有名的学者艺人到首都亚琛收集整理古代的文物，书籍。模仿古典样式创作艺术作品，故历史上把这个复兴古代文化的潮流成为“加洛林文艺复兴”。这是日耳曼精神与地中海文明相结合的一次文化运动，它成为欧洲近代文明史的转折点。“加…”在查理大帝去世后归于沉寂，尽管这一运动经历的时间短暂，簸箕范围有限，但它的影响在以后欧洲文明的发展中是不可磨灭的。
查理曼大帝在亚琛的宫殿（Charlemagne’s the Palatine Chapel，Aachen，Germany）：加洛林文艺复兴的主要艺术成就反映在建筑和书籍插图方面。这时的建筑以首都亚琛的宫廷建筑和教堂建筑为代表，这些建筑多以拉文纳的圣维塔里教堂和其他拜占廷教堂为蓝本。八角型布局，大理石贴面。
罗马式的美术
西欧发展至10世纪后，经济开始负苏，封建社会逐步确立。由于十字军东征，崇拜圣人遗物的朝圣热潮兴起，新的教堂和修道院建筑大量出现，这些建筑普遍采用了类似古罗马建筑的拱券和梁柱，并恢复用古希腊、古罗马时代的大型石雕来装饰教堂。后来史学家把11至12世纪宗教热潮中发展起来的以建筑为主体的艺术统称为罗马式艺术。罗马式艺术并非一种统一的艺术风格，而是这个时期或多或少与古罗马艺术有关系的各种艺术的总称。罗马式艺术以建筑为主，注重装饰性，带有地方色彩，较少写实风格。
建筑：罗马式建筑主要从古代罗马的巴雪利卡式会堂发展起来，起初为木结构，后来逐步改造成石结构。发展至10世纪，为了扩大教堂的内部空间，巴雪利卡式长方形会堂增加了两侧的横翼（成为袖廊），演变为拉丁十字型会堂，即中厅较长，两侧袖廊较短，祭坛设于最前端。教堂顶部为筒状圆拱，两旁墙上开有窄小的窗户。在封建割据的中世纪，罗马式教堂也具有封建城堡的特征，石墙很厚，窗户很小而且距地面很高，教堂前后培配置有碉堡状的塔楼，周围筑有高大的围墙，以防敌人的入侵。罗马式建筑的门窗上方都为半圆形，门上饰有雕刻。建筑内部以壁画，雕刻及玻璃窗画装饰。不过总的看来罗马式建筑的内外装饰都比较少，显得厚重、简洁而庄严。著名的罗马式建筑有：
1普罗旺斯—勃艮第地区：圣*菲利贝尔教堂（the Church of St Philibert）有鲜明时代风格，功能划分明确，与巴雪利卡最大的却别是根据内部空间功能明确划分出中庭，侧廊等。 圣*塞宁教堂（The Church of St Sernin）朝圣者的教堂，有明显的拉丁十字平面，耳堂已成为教堂一部分，亦有回廊，放射状礼堂。牢固，可防水，透光好，传声远。
2德意志和伦巴比地区：斯派尔大教堂（Speyer Cathedral）首先在中厅使用了交叉拱，使教堂高度增加了许多。 圣*安波罗齐奥教堂（Sant’Ambrogio）比例尺度与罗马古典建筑更接近，均衡和谐。
3诺曼底—英格兰地区：圣*艾蒂安教堂（the Church of St Etienne）强调垂直上升的运动感，一竟初步体现出哥特教堂面貌（尖塔），已运用肋线（六分拱），拱顶更牢固，给侧窗提供更多空间。 杜*汉姆教堂（Durham Cathedral）罗马教堂的典型构件，立方体特征突出。
4突斯坎尼地区：比萨教堂建筑群（the Cathedral Group of Pisa）礼堂，主教堂，斜塔，规模宏大，但保守（保持古典建筑传统），平面十字布局（巴雪利卡式）。 圣*乔万尼洗礼堂（Baptisery of San Giovanni）古典，和谐。
雕塑：罗马式教堂就像一座舞台，不过等场的已不再是镶嵌画和壁画，而是石头雕刻。它们出现在教堂的立面外墙和教堂入口处。最流行的是中堂大门门楣上的浮雕〈最后的审判〉：高大的基督位于正中，一边是地狱，一边是天堂。奥顿 主教堂的〈最后的审判〉是同类题材作品中的典范。雕刻家用变形夸张的手法来表现人类内心的颤栗与绝望以及妖魔的狰狞与恐怖。只有那位执掌天平的天使，衣纹手势和面容极为优美。韦兹莱的圣马德安娜教堂的门楣浮雕和奥顿风格相似。
圣*塞宁教堂的〈庄严基督〉浮雕（Christ in Majesty，from the ambulatory of St Sernin）
圣*彼艾尔教堂入口门楣雕刻〈基督作为国王和最后审判者〉（Tympanum of the south portal of St Pierre）
马德莱那大教堂门楣雕刻〈耶稣6升天、圣灵降临给使徒使命〉（the Ascension of Christ and the Pentecost Mission of the Apostles，center portal of the narthex of La Madeleine，Vezelay）
哥特式美术
一哥特艺术时代：哥特式是文艺复兴时期的学者对12—15世纪流行与欧洲的艺术所给予的贬称，意为野蛮人的艺术。今天哥特式已含有完全不同的意义，它是一种并不逊色于古典艺术的中世纪独特风格的艺术，也是中世纪艺术的最高成就。12世纪以后，西欧经济进异步负苏，城市得到发展，开始孕育着资本主义的一些因素，西欧进入了封建社会的繁荣阶段。经济上的富裕，城市的繁荣，宗教理论的发展，促车工内了新的艺术倾向的出现。各个城市竞相兴建教堂，惟恐在规模和装饰上落后于其他人，把教堂作为城市繁荣和富足的象征，于是，新的艺术风格—哥特式艺术便产生了。哥特式艺术是以建筑为主体的艺术，也包括雕刻和装饰绘画。
哥特式建筑以教堂为主，其建筑结构和风格不同与以往任何一种建筑形式。因为这一时期的教堂既是宗教场所，又是市民聚会和举行典礼的地方，故要求建筑得更高大、宽敞和明亮，同时还要体现出更多的宗教教义。哥特式建筑首先出现在巴黎，以后逐渐传播到整个法国和欧洲。 哥特式教堂建筑的主要特点是边罗马式的半圆形拱为矢状券，将所有的内部空间以骨架券联结为整体，尖顶变得比较轻巧从而使墙变薄，内部空间增大，墙上设计了许多高大的窗户，中厅顶部加高后，外墙采用了飞券，以承受高屋顶的侧推力。这样，哥特式建筑内部变得宽敞明亮，窗上饰以彩色玻璃窗画，当信徒步入教堂，置身于高大肃穆的空间，沐浴在从窗户射入的彩色光线中时，就会产生一种恍如天堂的感觉，对上帝的崇拜之情也会油然而生。哥特式建筑的外表饰有各种精美的雕刻，门窗顶部变为矢状形，门为“透射”门，即一层层的逐层底襟，门窗的数量大多与圣经中的数字相符。哥特式建筑以其高大的钟楼，直冲云霄的尖塔，众多的垂直线条，既给人一种轻盈升腾的感觉，又能印发一种虚无缥缈的天国之情。具有代表性的哥特式建筑有：
二法国的哥特式大教堂
1圣*丹尼斯教堂（The Abbey church of St Denis）第一座哥特式建筑是圣…，它首次系统地应用了骨架券结构体系，使各种形状的平面上都可用拱顶覆盖，将罗马式教堂的多种拱券集中起来进行综合应用，减轻了拱顶的重量和墙的压力，成为轰动一时的新建筑样式。这套体系经过百余年的发展，至13世纪中叶达到成熟阶段。发展到15世纪，风靡欧洲的哥特式已变成花样翻新、矫揉雕琢的晚期哥特式风格了。
2拉昂大教堂（Laon Cathedral） 巴黎圣母院（Notre—Dame，Paris）
在哥特式建筑的初期作品中，巴黎圣母院和拉昂大教堂是杰出的代表作。 巴黎圣母院是法国哥特式建筑成熟的标志，从正面看它共分为三层，最下面是三座透视大门，门上雕刻着天使和信徒们的雕像，第二层是直立的塑像和带装饰性的柱子以及大玫瑰窗，最上面是两座高大的钟楼，总高63米。教堂两侧有支撑墙壁的侧廊和飞券。整座教堂显得高大华丽且协调规范。圣母院内部是由罗马式长方形会堂发展而来的，上有大型气窗和矢状形拱，使教堂内部显的高大明亮，中厅长而宽大，两旁分上下两层。整个内部结构同外观一样，各部分的比例关系和组合方式相当协调，故被尊为哥特式风格的经典建筑。
3夏特勒大教堂（Chartres Cathedral）夏…是巴黎以南地区最大的教堂，长约130米，宽进5米，他的两座钟楼外表不尽相同，高度也不一样。其高耸的钟楼和正面众多的垂直线给人以轻盈升腾、其实巍峨的感觉。教堂中有为数较多的雕刻作品。
4亚眠大教堂（Amiens Cathedral）哥特式教堂的鼎盛。它的中堂拱顶高达42米，超过了兰斯主教堂，整个比例都拉长了，纤细向上的效果十分强烈。变窄的中堂便突出了东西方向水平轴线，在水平和垂直两股力量的相持下，教堂好像失去了平衡。坚固的有重量的墙体被摒除了，大厅内只剩下束柱，它向上的动势像一个喷泉，直冲顶部。
5英国的哥特式建筑：索尔兹伯里大教堂（Salisbury Cathedral）水平方向的因素比垂直方向的更突出，后殿是长方形的。水平面壁龛很多，渲染出立面一种稳定的外观，飞扶垛少，外观很罗马式。
德意志的哥特式教堂：科隆大教堂（Cologne Cathedral）对的国来讲，哥特式建筑完全是一种外来艺术。科隆大教堂是的国第一座真正的哥特式建筑，它的兴建跨越了六个多世纪。其钟塔高达157米，中堂创下了48米高的记录。
6意大利：佛罗伦萨大教堂（Florence Cathedral） 米兰大教堂（Milan Cathedral）米兰大教堂修建与14世纪，所以混合了哥特晚期风格和古典风格。侧窗小，内部昏暗。
三雕塑：哥特式雕刻也有相当高的艺术成就，但仍主要为建筑装饰雕刻，不过这时期的雕刻已变为高浮雕和圆雕，并逐步从墙面上独立出来。尽管这时期的雕刻主要倾向与拉长变形的非写实形象，强调主观想象，但也出现了不少写实性的，带有古代艺术特色或富于世俗气息的作品，人体雕刻逐渐丰满起来，显示出一定的人体结构。其布局较罗马式雕刻更清晰、有序和生动。
1夏特勒教堂西门雕刻：如果同罗马式教堂大门相比，夏…西门雕刻最显著的特点是雕像安排得井然有序。所有的雕刻都服从于建筑的外框，任务不再互相搅在一起，而变成独立的单元。西门侧柱上排列着形体修长，表情平静的圣徒像，他们不再是浅平的浮雕，而是几乎独立于柱头的高浮雕。
2兰斯大教堂入口处门楣和侧柱的雕刻：柱头上的“报佳音”、“访问”等作于13世纪的雕像更具有写实的特征，衣褶更丰富，人体更接近真实，站立的姿态类似古典歇站式。
3〈圣母之死〉，斯特拉斯堡大教堂门楣浮雕（Death of the Virgin，Tympanum，Strasbourg Cathedral）
四彩色玻璃（Stained Glass）：哥特式教堂特有的大窗子几乎占据了柱间的整个壁面，教堂内部的惯用装饰手法—壁画，已无用武之地。13世纪末期，染色玻璃窗相当流行。最初的窗花是先用铅条编织而成各种物像的轮廓，然后再用小块的彩色玻璃镶嵌而成。所以单线图案和彩色玻璃相结合是起主要特点。染色玻璃窗的颜色比较丰富，但它的基本色调是红蓝紫。
第十一章:意大利晚期哥特式和文艺复兴早期的美术
14.15世纪前后意大利的社会和文化
14世纪，意大利走向了文艺复兴的时代的转折点,从中世纪到文艺复兴,,西方艺术风格发生了明显变化形成了一种以科学的透视学与解剖学为基础的视幻觉主义(再现性)的绘画体系.导致这种变化的原因是和当时科学发展联系起来的.14.15世纪的意大利的古典主义文化复兴是其最重要原因.艺术家感知及表达世界的方式发生了变化.
城市共和国
(孕育文艺复兴的土壤)—佛罗伦萨.威尼斯.米兰.热那亚:14.15世纪在意大利中.北部地区出现了城市共和国.它们在政治上独立.拒绝教皇统治.在经济上实力较强.商贸活动发达.具有优势地位.有些城市共和国在整个欧洲都有强大影响力.
人文主义:
人文主义即对古典文化的研究与爱好.推崇古罗马文化.通过古罗马文化来推行人文主义精神,人文主义是此时期各种文化艺术背后的支撑.人文主义者推崇西赛罗的散文.类似格言警句.是指导人的规范准则-优雅.高贵.得体.机智.实际上是在日常生活中如何实现人文主义.推崇罗马市民的道德责任感.这个时代是世俗文化复兴的时代.个人变的重要,成为世界的主宰.人文主义是市民行为的规范.主要关注人的利益.与宗教的彼岸思想截然不同.
人性化宗教体验:
神秘主义气氛日益浓厚,强调直觉,强调个人与上帝直接沟通,给宗教艺术提供了广阔空间.
直觉和体验的重要性:
强调直觉与体验的非理性.一些哲学家,僧侣怀疑人类通过理性触及上帝的能力,认为所有的知识都是以个人的直觉和体验为基础的.要达到对上帝的信仰.必须对自己的体验有所感悟.尽可能展现自己的体验.艺术家关心的是怎样把看的体验用绘画.雕塑表现出来.纯粹的理性不能够破解信仰的秘密或洞察自然的本质.
晚期哥特式美术
绘画
贝林吉耶里(Bonaventura Berlinghier)
画的一幅圣方济各的画,时间紧在这个圣徒去世的9年之后，它很好地记载了他的真实外貌.但尽管它具有精神力量，形象却不象那种确切概括出令人难忘特征的肖像画.人物和建筑物的背景是根据盛期拜占廷传统来表现的.高度平面画,构图对称,秩序井然.的确,艺术家的目的之一似乎是要把刚刚被列入册的圣者结合到东方的圣像传统中.
杜乔(Duccio Di Buoninsegna)
西埃那画派的创始人.中世纪美术最后一个代表人物,但创作中已含有不少现实主义因素.这种双重特性使他的作品一方面和意大利拜占廷美术的传统有联系.另一方面显示出对大自然的敏锐和准确的观察力.作品<圣母与天使和圣徒>(Maesta ,Madonna with Angels and Saints)最能体现这一特点.这幅画主要描绘圣徒和天使们簇拥着圣母和一些福音书中的场面.人物雅致.构图富有诗意.色调也显得非常深刻而鲜明.作品以丰富的现实主义内容一变圣像画传统的表现手法.
契马布艾(Giovanni Cimabue)意大利画家. 佛罗伦萨人,最初是镶嵌画匠,唯一可信的作品是镶嵌了比萨大教堂的圆顶.后来成为画家.他被作为意大利学院派的创始人而受人尊敬.作品虽未摆脱拜占廷美术的呆板风格,但也有些世俗情调.作品<庄严圣母>(Madonna Enthroned with Angels and Prophets)受拜占廷风格影响,构图基本对称.背景金色.作品中蕴涵了变化.包含了有限的空间深度感.人物不再孤立.对周围有情感和思想的交流.画家更多的沿袭了拜占廷圣像画传统.空间深度感不如乔托自然,真实.平面性特点极强.有凝重庄严的特点.绘画中亦有自然主义倾向.
乔托(Giotto Di Bondone) 代表了晚期哥特式时代突破拜占廷圣像画传统的最杰出画家,是进入文艺复兴的桥梁. 佛罗伦萨人.出身牧童,后为艺术家,是大诗人但丁的好友. 契马布艾的学生.所作宗教画富有现实生活气息,常以美好的大自然为绘画背景.创作已摆脱拜占廷呆板风格的束缚.对后世创作发生了重要启示作用.作品不乏宗教精神,却又平易近人. 代表作是为帕杜亚的阿雷纳礼拜堂(The Arena Chapel)所作的壁画.画家创造的舞台般的绘画视幻觉空间非常适合表达具有戏剧性冲突的故事.其创作面临的问题是如何塑造人物坚实的体量及建造一个三度空间.其中<哀悼基督>独具匠心的构图巧妙地制造了空间假象,高度的对对象的概括能力体现出一种创造性.光源不同,但可塑造人物的纵身感.画家致力于人物性格.表情和内心世界的刻画.圣•克罗奇的帕迪礼拜堂(Bardi Chapel, Santa Croce, Florence)乔托在入口的门上画的大型壁画<最后的审判>是最早的可信的乔托的作品.每一组都有一个浅显的但很有逻辑性结构的注意中心.室内表现根据古罗马传统的”宽角”透视来表现.改变了扁平的平面绘画.造成了突出的结实的人物造型.
国际哥特式风格和马尔提尼(International Style and Simone Martini)
14.15世纪流行的纤细.华丽.是富有线条装饰效果的艺术风格.在欧洲各地广泛流传.涉及绘画.雕塑领域.主要多和骑士.贵妇生活联系在一起.绘画效果往往奢华.显得金碧辉煌.马尔提尼被认为是国际哥特式风格的创始人,是杜乔的学生.最出色的作品是1333年在阿西西圣法兰切斯科下部教堂的礼拜堂所作的湿壁画<受胎告之>(The Annunciation).金色背景.平面的装饰效果和舞台式背景结合在一起.但人物的实体感由于华美的装饰性而被削弱.线条流畅.色彩灿烂.人物无重量感. 沿袭了杜乔传统,发展了一种华美的装饰性绘画风格.在创作中吸收了法国哥特艺术.善于运用自由流畅的线条与华丽的色彩造成细密画一般的效果,是乔托自然风格的对立面.
罗伦采蒂兄弟(The Lorenzettis)
杜乔的学生.其中Pietro Lorenzetti 的作品<圣母的诞生>(The Birth of the Virgin, Pietro Lorenzetti)有意识构筑视幻觉性三度空间,是利用建筑构件.创作态度为自然主义(写实主义)的.细节描绘逼真.采用了透视缩短,但尚不能单点透视. Ambrogio Lorenzetti在西耶纳巴普里科教堂所作的<好政府的寓言>(Allegory of Good Government, Ambrogio Lorenzetti)采用全景式画面,基本按水平线构图.按平面原则构图.14世纪中期为转折阶段.向视幻觉主义迈进.但没有掌握单点透视.此时期圣母子像都表达了一个世俗的母亲对孩子的爱.但同时又对耶酥保持了一中上帝的尊严.直到15世纪画家才发明了根据单点透视原则组织人物画面的方法.
雕塑
尼可拉•比萨诺(Nicola Pisano)
曾在神圣罗马帝国菲特烈二世霍恩施陶芬宫中受到古典文化的影响.在对古雕塑的深入研究中.他发展了一种可称为“原始文艺复兴”的雕塑风格,大量地直接采用罗马石棺上的形象,包括男裸体,如比萨大教堂洗礼堂的祭坛浮雕.用了科林斯立柱.立柱之上是三连拱.(哥特式窗花常用装饰风格)但却用了半圆拱.艺术家倾向罗马式风格.顶板的装饰浮雕人物密集.人体有强烈体积感.
乔万尼•比萨诺(Giovanni Pisano)
是尼可拉•比萨诺之子.创造了一种新的视觉语言.表现了当时的宗教思想.他的作品有<圣•安德列祭坛浮雕>(Pulpit of Sant Andrea)有的敏锐的空间感.影响遍及14世纪早期的整个意大利中部.他所创造的这种视觉语言对于绘画和雕刻艺术都有促进.相对于其父而言,他更注意浮雕中人物空间关系的处理，人物轻盈灵活,富有动势.和文艺复兴初期的艺术家们在风格上相距不远了.
15世纪早期意大利文艺复兴
绘画
吉尔贝蒂(Lorenzo Ghoberti)与布鲁涅列斯奇(Filippo Brunelleschi)的竞赛:
一般艺术史上把意大利早期文艺复兴的开端确定在“为佛罗伦萨的洗礼堂门浮雕设计图案”的吉尔贝蒂与布鲁涅列斯奇的竞赛上.<伊萨克的牺牲>(Sacrifice of Isaac Gates of Paradise)是浮雕设计图案的题目,为旧约中的故事. 布鲁涅列斯奇作品从风格上看，有古典雕塑印记.但从人物裙裾飘动.画面整体情绪上有晚期哥特式趣味,画面的内在统一性不强. 吉尔贝蒂作为画家，有高超的处理金属的能力.他所关注的问题是如何在浮雕中实现线性透视.如何把绘画中的线性透视观念运用到浮雕中.他的浮雕的空间感非常强烈(线性透视原则).另外雕塑也是创造空间深度的方法(用数字.几何学的方法组织眼中的世界.这是一种静态的组织世界的方法.是科学的看世界的方式.所以15世纪很多数学创造性成果是艺术家完成的).画面前景人物几乎呈现出圆雕状态,中景.后景深度逐渐减弱.建筑构件亦如此.浮雕的深度暗示空间距离的远近.使之取得了前所未有的空间感.贝最终取得了胜利.
唐那太罗(Donatello)
是意大利文艺复兴初期最杰出的雕塑家.不仅是一位高超的雕刻家和神奇的肖像制作者,而且擅长透视学和建筑学,他的作品优美.完善.精良，比任何其他艺术家的作品都更接近古希腊罗马的风格.立足于自然深入和细致的分析，包含了强烈的古典主义形式和独特的个性表达.雕塑形式多样化(军官.圣徒.孩子),个人特点突出，注重表达人物精神气质.代表作有
<圣•马可>(St.Mark)具有纪念碑式的庄重感.<大卫>(David)青铜像,雕像姿势脱胎于古希腊.此像表现这个基督教的少年英雄满怀喜悦的胜利姿态,头部具有明显的哥特式遗风,躯体的曲线和起伏却具有文艺复兴的特色.文艺复兴期间不少雕刻家做过大卫的像,除唐那太罗外,最著名的是委罗基奥和米开朗基罗.<格太梅拉达>(Gattamelata)坐落在帕图亚的圣安东尼奥广场上,是唐那太罗的精心之作.骑马像在古罗马时已经达到高度水平，但中世纪以来，这种形式几乎湮灭,现在由唐那太罗恢复起来.<抹大拿的玛利亚>(Mary Magdalene)是他晚年的作品,此时风格已趋向夸张，作品放在佛罗伦萨洗礼堂,带有矫饰主义倾向.玛利亚的长发如同流水一般披散在身上，枯槁的面容显出痛苦修炼的毅力和斗争，它的出现在当时是颇为特殊的.
马萨乔(Masaccio)意大利文艺复兴时期佛罗伦萨画派画家.其宗教人物画形象分明.结构坚实.突出表现人物性格.他摆脱一味模仿乔托的风气，主张创新. 15世纪早期有2种趋向，即哥特式与马萨乔的写实风格同步发展.马萨乔是乔托风格的推进者和继承者.从佛罗伦萨的布兰卡奇礼拜堂的壁画<纳税钱>(Tribute Money)可看出马萨乔进一步完善了文艺复兴再现性绘画艺术.使佛罗伦萨的美术走上自由创造的兴旺时期.画面构图分三段，整个空间按单点透视原则组织.人物的组群放在画面不同位置,人物造型则沿袭了乔托传统:简洁.有雕塑感.已对人体结构有了一定把握.吸收了很多古典雕塑元素，光源位置清晰，起到了渲染气氛.突出主体作用.<失乐园>(Expulsion of Adam and Eve from Eden)用奔放的明暗法塑造人体的体积感.把亚当与夏娃悲恸欲绝的戏剧性姿态画得十分生动，他的色彩技巧可以说是相当近代化的.<圣三位一体>(Holy Trinity)是为纪念佛罗伦萨重要家族所作.画幅前景是一具平放在石棺上的骷髅,下有铭文:我之昨日即你今朝,我之今朝即你明日.画家所画的所有人物都以新的透视体系为尺度，并将他们置于一个统一的空间.人物形象不但坚实厚重,而且富有崭新的尊严与独立感，是真正的血肉生灵.
乌彻罗(Paolo Uccello)
是佛罗伦萨画家中个性最为复杂的一个,兼具两种作风:一是梦境般的幻想,一是纪念碑式的严整.他对远近透视的处理十分到位,在塑造形象时喜欢用几何式的明暗分面.1456年他为美第奇府邸所作的壁画<圣•罗马诺之战>(Battle of San Romano)从视觉感受出发.在两度平面上再现实物与三维空间.画面上人物动物形象似凝固一般,象木偶.前景后景保持了同样的清晰度.形体几何感强烈.画面总体色彩效果和谐.冷暖色调.明暗对比均衡.他的其他作品还有油画<狩猎>(The Hunt in the Forest)
佛朗切斯卡(Piero Della Francesca)
意大利文艺复兴时期安勃利亚画派画家.作品大都是壁画,场面宏大广阔.风格严峻平静.对远近法.明暗法.色彩等均有研究.综合了15世纪前半期的绘画发展中的科学成就.绘画中的每一件东西仿佛都经过精确计算.色彩明澈请丽.淡雅.诗意盎然.人物造型写实.画面均衡.体现古典绘画和谐美感.喜欢把人物放在罗马建筑内部.<君士坦丁与马克西米连之战>(Battle between Constantine and Maxentius)画面处理上与乌彻罗有相通之处.人物动物亦象木偶.<基督复活>(Resurrection)画面淡雅.构图简洁.
安吉利科(Fra Angelico)
僧侣画家.受晚期哥特式绘画影响.把数学般严格的透视法和轻快优美的装饰风格结合.作品有<受胎告之>(The Annunciation).<博士来拜>(The Adoration of the Magi)
利比(Fra Filippo Lippi)
僧侣画家.以浓厚世俗情调为特色.发展出一种强调轮廓线的风格强调人物的运动感及衣褶. <受胎告之>(The Annunciation with two Kneeling Donors) <圣母与圣婴>(Madonna and Child)15世纪晚期.一些僧侣对宗教题材绘画过于世俗化提出批评.
哥佐利(Benozzo Gozzoli)
意大利画家.文艺复兴时期佛罗伦萨画派的重要代表之一.作画取材于宗教.神话故事.但表现的都是世俗生活和人文主义思想.他的绘画很受新兴的市民阶级的喜爱和欢迎.作品有<博士的旅行>(Journey of the Magi)
建筑
布鲁涅列斯奇(Filippo Brunelleschi)
通过对古罗马建筑实例的精心测量和研究掌握了它的原则和方法.在他战胜了吉贝尔蒂.承担起建造佛罗伦萨大教堂穹顶(The dome of Florence Cathedrat)的任务后，他创造性地把古罗马建筑形式与哥特式结构融会在一起.架在鼓形座上的教堂穹窿清晰地突出在空中，庄重.轻快.优美，具有强烈的视觉感染力.他从此名声大振.他希望使建筑设计建立在教学这门科学的基础上，把比例和谐视为古典建筑的本质。他利用古典建筑语汇获得了明快.单纯.优美.和谐的效果,使建筑具有一种理性的美.圣罗伦佐教堂(San Lorenzo, Florence)内部和佛罗伦萨育婴堂(Ospedale degli Innocenti)正面敞廊都鲜明地体现了他的建筑风貌.他并非画家，但却对绘画发展做出了不可估量的贡献.他在线性透视方面的研究成果，给新的绘画创作提供了科学依据.借助线性透视制造真实空间的错觉，是意大利文艺复兴画家的重大抱负和杰出成就.
米开罗佐(Michelozzo)
设计了美帝齐•里卡尔笛府邸(Palazzo Medici-Riccardi)建筑风格受布鲁涅列斯奇的影响.建筑立面体现清晰的结构联系.有三个层次.有低到高逐渐缩短.有上升态势.底层墙面厚重.二和三层墙面光洁,视觉上感觉轻一些.结构稳固.横向和水平关系均衡.
阿尔伯蒂(Leon Battista Alberti)
是继布鲁涅列斯奇之后，又一位学者型建筑师.是第一个对罗马建筑体系有深入和全面了解的建筑师.代表著作<论建筑>.强调建筑设计的原则.认为建筑体系应保持一个理想的比例关系.认为罗马帝国晚期以来拱柱结合的方式在建筑关系上是一种混乱的包含着内在矛盾的表达方式. “拱”应属于墙体的开口,是墙的一部分，应用壁柱支撑而不是具有独立雕塑特性的圆柱来支撑.所以他的建筑作品采用了大量壁柱作为划分墙体结构的要素.他的建筑风格体现了一种学术性的对古典风格的运用.他设计了著名的鲁彻莱府邸(Palazzo Rucellai)在层次上沿袭了米开罗佐的创作方法.在巨大的檐口下.水平线脚把立面划分为三层.并由壁柱统一起来，显得和谐.完整.
15世纪晚期意大利文艺复兴
基尔兰达约(Domenico Ghirlandaio)
意大利文艺复兴初期佛罗伦萨地区画家.本是金银工匠兼画师.,很熟悉民间生活.作画虽以宗教.神话故事为题材,但人物形象和素描直接来源于周围的丰富生活,画面充满了世俗感情,表现了现实社会中的人物和生活情景.体现了对人文主义思想的热情歌颂.15世纪的绘画画面中的人物(群组)或景物与绘画表面保持平行关系.使绘画空间是封闭的.深度有限和无限扩展性.线性特征突出.结构非常稳定.好象凝固的一样.建筑构件非常重要.起到了架构空间的作用.<圣母的诞生>(Birth of the Virgin)柔和的光影打在人物脸上.形成微妙的过度关系.人物姿态更自然.真实.并不遵守严格平行关系.
波拉约奥罗(Antonio Poliaiuolo)
意大利画家兼铸铜雕塑家.文艺复兴时期佛罗伦萨画派的重要代表之一.在当时画家中是最早熟知解剖知识.精确描绘人体者.对科学的解剖知识的探索和艺术加工的创作方法.为后代画家的艺术创造开辟了现实主义的道路.作画以宗教.神话为题材.但造型逼真生动,反映了世俗感情和人道主义,歌颂了人文主义思想.<赫拉克里斯和安泰>(Hercules and Antaeus ).<十个裸体搏斗>(Battle of Ten Nudes)具有强烈骨骼感和极强的张力.已经涉及了骨骼透视问题.同样题材还创作了油画和雕塑.他喜欢创作运动状态的人体形象.并当作是对自己技术的考验.
曼坦尼亚(Andrea Mantegna)
是意大利北方最重要的画家.他诞生在唐那太罗曾工作过的帕杜亚城.在这个北意的重要人文主义城市中,他对古典建筑和雕塑产生了浓厚兴趣.而从佛罗伦萨来的美术家又使他掌握了透视知识,这些情况共同影响着他的绘画.他的风格以雄伟有力.感情充沛著称.绘画以凝重.静穆见长,人物造型具有强烈雕塑感.如同纪念碑一样.受哥特式影响,有高超处理空间透视技巧.<哀悼基督>(The Lamentation over the Dead Christ)有调整.没有完全按透视缩短关系.技术服务于内在情感.表达需要.
波提切利((Sandro Bottcelli)
意大利文艺复兴时期杰出画家. 佛罗伦萨人.幼时当过金银匠学徒.后来学绘画.作品大都以神话或古代英雄人物为题材.画风细腻精巧.并不象同时代的画家一样.一丝不苟地遵循精确的透视学原则.他更喜欢运用明晰.流畅的线条传达欢快优美的情绪.期望建构理想的.美的.梦境般的世界.其绘画空间感不强.他的绘画风格产生并非偶然.其艺术追求是和与当时“新柏拉图主义”者密切联系有关.柏拉图认为只有理念的世界才是完美的. 波提切利信奉此思想.认为通过艺术可使受污染的心灵恢复纯净.(有神秘主义倾向.强调心灵感应.)有意识牺牲空间感与体量感来突出柔媚的特性，是理想化的美的世界. 作为利比的学生.他继承了利比的风格并加以发展.人物形象上的阴影被处理得非常清淡.使人物非常清晰.<春>(Spring)人物形象具有显著线条特点.人物优雅.<维纳斯的诞生>(Birth of Venus)<谗言>(Calumny)
第十二章:文艺复兴盛期文艺复兴和风格主义美术
文艺复兴盛期三大师
达•芬奇(Leonardo da Vinci)
是意大利文艺复兴时代的文化巨人.著名画家.工程师.地理学家.生物学家.动物学家.解剖学家.物理学家.其绘画尤其是素描是与科学研究的兴趣联系在一起的.其绘画的一个重要目标是寻求发现隐藏在自然现象背后的规律或法则.画家是以眼睛来打扑捉真实的影响的.在构图上体现向三度空间过度的倾向.是佛罗伦萨人.因不喜欢新柏拉图主义而离开佛罗伦萨.师从委罗基奥.<岩间圣母>(Virgin of the Rocks)人物构成了一个金字塔结构,15世纪的画家通常不采取此种构图.达•芬奇通过此种构图使整个画面空间产生了一种延续性.光使页面产生了一种通透的感觉.人物优美的形象与四周自然环境的关系.显得那么和谐.那么水乳交融.那么相得益彰.15世纪意大利早期文艺复兴画家作品中常常难免的人物和空间不协调的生硬效果，已经一扫而光了.他利用那种被称为“薄雾法”的柔和细腻的明暗过度，栩栩如生地塑造出可触可感的人物和环境.<最后的晚餐>(Last Supper)对称构图.耶酥头的位置是画的水平和垂直的重点及密点.背景最大的窗户正对耶酥的头，起到了圣光圈的作用.在绘制的过程中.他尝试着新的调和颜色的方法.不幸这种未经时间检验的作法使色彩变质了.但完美的构图.和谐的形与空间.丰富的心理刻画.深刻的人性,这一切再次向人们昭示着古典美术大师达•芬奇的特色.<蒙娜丽萨>(Mona Lisa)他把这位商人的妻子处理成两手自然交搭.身躯和头部不同程度侧转的方式.既克服了单调又显得从容.那富于实体感的血肉之躯及神秘的微笑.与中国山水般的淡远背景结合在一起，给人留下无限遐想的余地.
拉斐尔(Raffaello Sanzilo)
在文艺复兴三杰中地位奇特,受另外两位影响.在创作精神上无法与其他两位相比.但也开创了一种优美的绘画风格.将古典的秩序与动态的完美融合在一起，集中体现了意大利文艺复兴盛期的理想.他不似达•芬奇有对自然的敏锐感觉力,又不具米开朗基罗的内在激情力量.他拥有的是一种平均值.适度感.歌德在谈及拉斐尔时说:”拉斐尔并不是模仿希腊人.而完全是像希腊人那样的感觉和思考.”拉斐尔有意识地强调线条的流畅婉转的美感.人物形体处理得高度简洁.理想化.没有15世纪圣母像那种世俗的烟火气.<雅典学派>(School of Athens)又名<哲学>.壁画.罗马.樊蒂冈:重要的人们从这画中感受到了怎样的风采.他关注画面中出现的人物的肉体和精神的状态.人物代表谁并不重要。表达了基督教精神和古典精神的融合.拉斐尔在塑造个体人物形象上的能力并不出类拔萃,其擅长组织人物群体的技巧.壁画的真正价值在于空间上的结构.人物之间都有内在的呼应和联系.他能创作出很符合人的视觉感受的作品.这是前辈画家所没有的.<有金翅雀的圣母>(Madonna del Cardellino)利用了达芬奇式的金字塔结构，但有微妙的方向对比关系.使画面变得生动活泼.拉斐尔的画并无达芬奇的神秘性.尽管他接受了其的光影过渡结果.但他还保持了轻快明朗的调子，有清晰的轮廓线.这亦是他的魅力所在.他始终保持了他老师的风格特点.<圣母玛利亚的订婚>(The Engagement of Virgin Mary)通过人物的动态关系表达故事丰富的内涵.以水平和垂直的基本结构关系来构图.<椅子中的圣母>(Madonna della Seggiola)画家的创作是真实和理想二者结合的结果.在圆形画框内塑造出一种最为和谐自然的构图.
米开朗基罗(Michelangelo Buonarroti)
个性与同时代的拉斐尔有天壤之别.无法容忍自己与别人的缺点.嫉妒拉斐尔.对达芬奇也没有好感.经常与雇主发生矛盾.也许这些都出于对艺术的热爱.他全身心地投入到自己的工作中.米开朗基罗集雕塑家.建筑师.画家.诗人.工程师于一身.但他首先把自己看成雕塑家.认为雕塑家的称呼比画家高贵.因为雕塑家心中孕育着类似于上帝创造人的神圣力量.受新柏拉图主义影响.在创作中把人体作为主题.认为只有人体才是真正值得表现的，人体当中孕育着一种神性.沃而夫林在<古典艺术>中认为“米开朗基罗的风格特点在于他的集中性.在于创造紧密团块的能力.紧凑的构图及具有强烈内在克制力的姿态.对他来说是表达人体的气质所必须的.他具备了高度的把握视觉的能力.他的内在视觉清晰性是无与伦比的.把人体的内在的结构和运动的力学原理表现得淋漓尽致.迫使观众去分享他的体验.肢体的每一个转动.每一个弯曲都有一种潜在的力量.”他在创作中从来不把数学的方式作为雕像的和谐保证的依据.他认为和谐.尺度.比例感是存在于艺术家的眼睛里，而不是用尺子量出来的.这种观念，赋予了艺术家创作的一种主体权威.艺术家的个性是判断作品的标准.对于艺术天才来讲.他们可以完全不受外界约束.米开朗基罗认为个性是他创作的基础.因为个性.他可以不受外界创作的任何规范.<圣母哀悼基督>(Pieta)是他早期的作品.在当时来讲.把两个稍大与等身大小的雕像组合在一起是很新颖的.他在技术上解决了两个雕像的结合问题.他表现出了16世纪雕像的特点:古典的气质—圣母的悲伤是被控制的,仍然表现出圣洁.高贵.沉静.(“神的母亲是不会像人间的母亲那样哭泣的”—他说)圣母摊开的左手深切的传达了他内心无法一直的悲伤情绪,他没有夸张耶酥肉体的痛苦.耶酥保持着他的尊严.1501年他回到佛罗伦萨创作了<大卫>(David).此作有强烈活力与动态.有米开朗基罗强烈的个人特点:棱角分明的节奏感及力度感.不再强调线条流畅.威严的目光具有震慑一切的气势.这是一位真正的巨人,鲜明体现了米开朗基罗令人生畏的性格.<被束缚的奴隶>(Bound Slave)这是复杂的三维空间形式的杰作,它们赋有人类的悲剧感情.含有灵与肉的两重性.似乎受着某种永久性内心苦痛的折磨,外表却显得异常宁静.<西斯廷天顶画>(Celing of the Sistine Chapel).是第二阶段的作品.主题为圣经故事.人体.除了人体其他处理极简略.借助人体表现他的内在激情.风景等尽可能简化处理.整个壁画有300个人物.并不强调视觉空间感，他强调雕塑性.人物轮廓线很清晰.认为通过人体可以展示人的思想状态.<朱利亚诺美底奇和罗伦佐美底奇陵墓雕刻>(Tomb of Giuliano de Medici\Tomb of Lorenzo de Medici)在黑白镶成的地板上面.两座壁龛里端坐着他的事业的保护人朱利亚诺美底奇和罗伦佐美底奇的坐像.他们的脚下是两组精彩的装饰雕刻:<昼>和<夜>,<晨>与<暮>.反映了他对动荡不安的现实的愤怒和失望.
布拉曼特(Donato D’Angelo Bramante)
代表了典型的文艺复兴盛期的建筑风格的典范.是当时最杰出的建筑师之一.主要在米兰和罗马工作.创作严格遵循理性秩序.但也寻求表达某种状态.多半借鉴古罗马建筑元素.擅长运用古罗马建筑样式.<圣.皮耶罗的神庙>(Tempietto,San Pietro in Montorio, Rome)古典穹隆顶的完美典型.建筑分三部分:基座.环形内殿(底层有柱廊.二层有栏杆).穹顶.包含了实体与虚实秩序井然的关系.这是有强烈雕塑特制的建筑师.
风格主义
“ 风格主义”是指文艺复兴晚期的一种艺术倾向.晚期艺术家掌握了娴熟的技巧,他们把注意力转移到渲染精致的.轻松的趣味上.他们以盛期文艺复兴大师.尤其是米开朗基罗和拉斐尔为楷模.刻意模仿他们高度纯熟的创作方法.夸耀的展示各种绘画透视和变形的效果.由此,盛期文艺复兴和谐.沉静.均衡的理想被打破了.”风格主义”艺术从1520年拉斐尔去世开始持续到16世纪末.”风格主义”一词亦可以用于艺术和文学中.表示对特色鲜明艺术手法的支持.但最初风格主义一词带有贬义.米开朗基罗应该可以说是风格主义艺术的先驱.他强调艺术创作的个性的价值,每个艺术家都有权对艺术创作做个人的阐释和演绎:遵从艺术家的心灵范式,决定艺术创作的是艺术家的主观感受与美学趣味.所谓美的理想存在于人的心灵世界中—风格主义的绘画开始远离自然.人体比例多是复杂的夸张的样式.有些画家只是为了展示他的高度纯熟的技巧.风格主义画家力图达到的是不稳定的变形.夸张.运动的效果.艺术家用尽各种装饰手段及奇思妙想.使之变得复杂.充满了学究气.风格主义绘画空间的表达是模糊的.
朋托尔莫(Pontormo)
忠实于米开朗基罗的风格,又吸收了北欧和德国文艺复兴大师的经验.具有夸张的.十分强烈的明暗.<降下的十字架>(Deposition)人物以椭圆形方式构图,人物拥塞着整个画面.构图缺乏中心.视觉焦点处于空洞状态.人物沿画框分布.目光分散.朝画面外围投射.画面色彩用冷色调.清澈透明.给人一种脆弱和失落感.人物肢体被拉长.扭曲变形.不自然.画面有一种紧张的动荡感.
帕米尔贾尼诺(Parmigianino)
绘画以优雅见长,人物塑造得轻盈而修长.似无重量一般.有高贵的.优雅的贵族气.做故意夸张人体比例.<长颈圣母> (Madonna dal Collo Longo)构图奇特.有点失去均衡感,腿.上半身及头比例失调.体现出个人化的处理.圣母的小脑袋.长颈项使人感到病态的怪样子.
布隆奇诺(Bronzino)
是朋托尔莫的学生.作品中的人体矫柔做作.色调腻烦.偏重于全色调.<维纳斯.丘比特和时间的寓言>(Venus,Cupid,Folly,and Time)主题为爱.虽然爱是美好的.但与之伴随的是仇恨.易变.归根结底爱是愚蠢的.且会受到时间腐蚀.画家描绘的注意力集中在头.脚.手.画面带有一种冷艳的光辉.强调人物优雅的状态.高度的自尊及冷漠.
切里尼(Benvenuto Cellini)
意大利雕塑家.政治家.军人.他留下一本著名的书--<自传>.<枫丹白露的真理女神>(Nymph of Fontainebleau)姿态高度贵族化.人物造型头与身体相比明显较小.躯干与眼被人为拉长.没有刻意强调空间感觉.有两度平面装饰效果.对后来法国艺术产生深远影响.
布洛涅(Jean de Boulogne)
16世纪意大利最重要的雕塑家之一.沟通米开朗基罗与巴洛克时代的桥梁.<劫掠撒宾的妇女>三个人物围绕中轴线运动.可说是保持在一个圆柱体内.是真正意义上的圆雕作品.是第一个可以从多个视面观察的大型群雕作品.受<拉奥孔>影响.
提香和威尼斯画派
建筑
桑索维诺(Sansovino)
佛罗伦萨人.1527年逃难至威尼斯.初为雕塑家.受布拉曼特影响,后弃雕从建.他把文艺复兴盛期的建筑设计风格引入了威尼斯.<圣马克广场>(Mint La Zecca). 造币厂和国家图书馆以及钟塔门口的门廊.具有古典主义建筑气质.图书馆分上下两层.底层有连拱柱廊.有水平走向的纵长建筑立面.柱廊采用突斯坎民柱式.屋顶上的雕像活跃了建筑.建筑样式和对面的哥特式总督府呼应.
帕拉迪奥(Andrea Pallladio)
是桑索维诺之后威尼斯共和国最重要的建筑大师.初亦为雕塑家.30岁以后改行建筑.对古罗马建筑很感兴趣.亦是建筑史家.著有<建筑四书>.对后来18.19世纪欧洲古典主义建筑影响很大. 帕拉迪奥古典主义即现代古典主义.是经他产生的古典主义.<维琴查附近卡普拉别墅>(Rotonda)按古罗马观景楼.古希腊神庙样式设计.四个立面是以古典柱廊为中心.可以从四个角度观赏远方风景.构件高.长.宽的比例关系贯穿了一种准确严谨的逻辑性.是高度内在统一的.蕴涵了文艺复兴的一种人文主义的价值观.
威尼斯画派
贝利尼(Ciovanni Bellini)
威尼斯画派以贝利尼为开端.强调感官美的表达.贝利尼以柔和.丰富色彩为特点.某种程度上开创了威尼斯画派.早期的绘画受曼坦尼亚及国际哥特式影响.其风格于1470年前后发生变化:油画技法被介绍至威尼斯.他的色彩感觉被充分发挥.<神的宴会>(Feast of the Gods).圣.乔贝(San Giobbe)祭坛画和圣扎加利(San ZAccaria)祭坛画.
乔尔乔内(Giorgione da Castelfranco)
贝利尼的学生.发展了贝利尼晚期华美的色彩和田园诗情调.温暖的色调.柔和的轮廓是他绘画的特点.田园情调更为浓郁.早期作品保持了15世纪绘画特点.色彩丰富.人物体态坚实.雕塑感强.人物风景关系不统一.前景中景后景不统一.<暴风雨>(Stormy Day)使动人的自然风光与美丽优雅的人物相配合.成为创造迷人意境的一种有力因素.迷恋自然风光,让它在作品中发挥重大作用,也是威尼斯画家不同于更关注人本身的意大利文艺复兴三杰等人的地方.<田园合奏>(Pastoral Symphony)是画家想象中的理想世界.用色斑.色点.色块表现树丛.更符合人对树丛的视觉感受.用色彩和用线条表现世界是完全不同的效果.
提香(Tiziano Vecelli)
威尼斯最著名的色彩大师.才华过人.精力过剩.作品丰富.可说是开启了西方现代绘画的大门.他的布面油画已成为现代绘画的传统.在他的时代画家已使用表面粗糙的画布代替木板作画.他善于使用浑厚凝重的色彩.肆意存放的笔法来渲染画面欢快热烈的情绪.在晚年.他的色彩达到了炉火纯青的地步.某种程度上.他晚年的作品已脱离具像世界.走向印象化.他的色彩能使人产生强烈的.令人颤抖的光影效果.预示着巴洛克时代的到来.他的色彩语言非常准确.坚定.四五个色彩笔触就能把一个形象塑造出来,但他从不一次完成一个人物.据记载.他最后画画不用笔而直接用手指涂抹调整关系.<天堂的爱与人间的爱>(Sacred and Profane Love)是其早期作品.向乔尔乔内和贝利尼学画.画面色彩轻盈通透.冷暖色调对比清晰.画面气氛类似于<田园合奏>.已体现出对光的漫反射.人体肌肤.丝绸质地感觉的表达的兴趣.<比萨罗家族的圣母>(Madonna of the Pesaro Family).<乌尔比诺的维纳斯>(Miracle of the Slave)巧妙的构图使人把视线在女子的上半身然后视线会移至脚.移至狗.移至整理衣物的女仆身上.人物浸润在一种神秘的光影关系里.她那活生生的血肉之躯展现着健康生命的美和诱惑力.
丁托雷托(Tintoretto)
提香的学生.他确定的艺术查目的是把提香明亮.温暖的色彩与米开朗基罗的单纯,结实的样式结合起来.他的绘画有一种戏剧性的冲突感.和传统文艺复兴式创作方式完全不同.受到风格主义影响. “要如提香般描绘,要如米开朗基罗般经营”.<最后的晚餐>(Last Supper)显示出对宁静和谐.洋溢着人间气息的古典风范的背叛.神异的光影.轻烟般的飞翔天使.把我们带到一个奇幻的非现实世界.让我们产生惊奇的感觉.<圣.马可的奇迹>(Miracle of the Slave)从天而降的圣马可的强烈透视短缩和画面上光影对比，体现着他大胆的手法.创作一个不同于古典精神的世界.
委罗内塞(Veronese)
受到风格主义影响，喜欢把毫不相干的细节放在严肃的宗教绘画中.<基督在利未家里>(Christ in the House of Levi)画成世俗生活中的一场盛宴.作品已体现出巴洛克的艺术风范.他是威尼斯画派的最后一位大师.
